Esta entrevista fué realizada por Leonardo Chavarría para su proyecto de maestría sobre videoinstalación 2022-23. Las primeras preguntas son biográficas, luego elaboramos sobre videoinstalación, y posibles encuentros y desencuentros entre tecnología arte e instituciones, con menciones concretas a mi obra.
Hábleme de su historia y de dónde es originario ¿Cómo fué su niñez? ¿Cómo es su familia ?
Soy de San José, criado entre San Pedro y Curridabat hasta los 11 años en que mis padres migraron a Madrid con toda la familia. A los 14 empecé a leer sobre fotografía y travesear con cámaras que no eran mías. A los 15 hacía mi propio laboratorio blanco y negro con un curso usado de fotografía AFHA de los años setenta. Al principio era una forma mágica de transformar lo cotidiano, una especie de juego de ingenio. Mis padres, ambos escritores, no estaban muy convencidos de que la foto fuese algo que mereciera estudio. Su referente era Nikki el fotógrafo excéntrico de eventos sociales en el San José de los años setentas. Supongo que mi pasión terminó convenciéndoles y me ayudaron a conseguir equipos y materiales. Al principio estaba muy orgulloso de hacer un registro pictoricista de la realidad, es decir fotos bonitas que parecieran cuadros. Gradualmente fui descubriendo técnicas, estilos y fotógrafos muy diferentes, dándome cuenta de mi ingenuidad.
¿ En que momento se dió cuenta que lo suyo era hacer arte ?
Al llegar a los EEUU con mi familia en 1982 conecté inmediatamente con John Rohasch un profesor de colegio que intentaba inculcar disciplina y visión fotográfica a sus alumnos de artes. Estos dejaban todo tirado cuando sonaba la campana del recreo y yo me quedaba terminando los revelados de todos. Dedicaba mucho más tiempo a las tareas del curso de fotografía que a ninguna otra materia. Al pasarnos de colegio John me presto una ampliadora para poder seguir revelando, ahora en el sótano de la casa familiar. Podía pasar horas iluminando, transformando y revelando hasta los objetos más mundanos. Ahi supe que lo mío era el arte con fotografía.
¿ Dónde realizó estudios en arte ?
Para cuando fui aceptado en una carrera de Bellas Artes en la Cooper Union en la ciudad de Nueva York (1985) ya hacia mis propias "fine prints" bajo la influencia de la obra de fotógrafos formalistas y modernistas como Edward Weston, Paul Strand, etc. Mi familia se mudó a Israel, donde entré al Instituto de Tecnologia Hadassa en Jerusalén. En el exámen de admisión nos pasaban individualmente y mostraban fotos de Cartier-Bresson, Ralph Gibson y Man Ray sin esperar que pudiesemos reconocerlos, menos hablar de ellos, sus vidas y movimientos artísticos. Digamos que se sorprendieron y fui uno de tan solo dos extranjeros aceptados en toda esa generación. En Jerusalén tuve una profe apasionada por la historia del arte llamada Tzipi. Me contagió su entusiasmo y ayudó a entender como la visión y pensamiento "fotográficos" existían siglos antes de que se inventara la técnica fotográfica. Mark era un profesor recién llegado de NY, de quien aprendí mucho por su rigor con la cámara técnica e inventiva al trabajar en estudio. Después pase dos años estudiando cine y narrativa gráfica en Madrid. Bajo la influencia de los foto collages de David Hockney empecé a cuestionar los límites de la imagen única fotográfica y generar polípticos-collages que revelaran, no solo congelaran el tiempo. Luego regresé a CR y tras una década impartiendo cursos técnicos en el CUNA, UCR y UVeritas, eventualmente obtuve un bachillerato en fotografía y logré proponer y pasarme a facilitar cursos más experimentales, de intervención fotográfica en espacios públicos, de libros y ediciones de artista, foto inmersiva, interactiva y teoría estética. En el 2014 me gradué con honores de una maestría teórica en comunicación de la UCR. Mi proyecto de graduación fue un estudio comparativo de varios modelos de análisis sobre convergencia retórica en el fotodocumental sonoro para la web de la primera década del Siglo XX.
¿ Cómo define el videoarte ? ¿ Cómo es la instalación y como los diferencia de la videoinstalación ?
El videoarte es una técnica o medio híbrido que, a diferencia del cinearte no tiene un enfasis estético ni formalmente experimental; tampoco enfatiza narratividad / valores de producción / géneros como el cine comercial o de autor. Surge por influencia del arte conceptual y a ello debe su naturaleza camaleónica y apropiacionista. Su éxito y resonancia suelen depender de cuanto logra tomar prestado o parodiar otras formas artísticas o prácticas populares.
La instalación como arte contemporáneo surge ante la crisis del monumento en particular y escultura en general. Al igual que el videoarte se nutre de disciplinas previamente consideradas no artísticas. Todo lo que a la escultura se le prohibió por siglos para elitizarla, deleita ahora a la instalación: materiales innobles, técnicas impropias y mestizaje con otras formas de arte, particularmente tecnología, sonido e imagen electrónica.
La consecuencia natural de todo esto es la videoinstalación: una o varias pantallas o canales inmersas en ambientes y dinámicas que refieren a la vida contemporánea. Se trate de ocio, trabajo, socializacion, etc ahora todo es pantallas. El uso de circuitos cerrados o abierto y de machine vision no es nada nuevo, se lo practica desde los años 60. Quizás las formas más contemporáneas de videoinstalación sean aquellas en las pantallas personales y redes que portamos en el bolsillo y sostenemos en la mano a diario. Se trate de realidad expandida, realidad virtual, o experiencias inmersivas en nuestros celulares, la videoinstalación es mucho más popular y ubicua de lo que nunca pudieron imaginar los pioneros del medio.
¿ Que piensa de la videoinstalación como movimiento artístico y porqué lo emplea en sus obras ?
El uso del videoarte instalación atraviesa muchos movimientos artísticos desde los años 60. Es un medio, no un fin en sí mismo. Lo he usado para recontextualizar imágenes en movimiento y complicar sus sentidos. Hace décadas tomé la decisión de no dejar al medio decidir el mensaje. De lo contrario la práctica artística se limita a un triste ejercicio de estilo. Por ello también prefiero colaborar con personas y dinámicas no necesariamente artísticas. El arte que más me atrae es el que se nutre y confunde con la vida cotidiana y prácticas populares. Puntos extra si logra restituir esa corporeidad y presencia que la rutina destruye, incluso en el amor.
¿ Tuvo algún artísta referente que lo inspire o como le llega la inspiración ?
Los maestros al igual que los padres deben ser admirados y después asesinados, al menos simbólicamente. Es imposible no admirar el rigor y la elegancia de Bill Viola, o la osadía y experimentacion de Nam June Paik, a pesar de que ambos artistas parezcan operar en coordenadas opuestas en los años 60 y 70. Ahora pienso que todo artista que intente parecerse a otro es un beso fingido e invariablemente se le nota. No pretendo sobrevalorar la originalidad. No tiene sentido ahora que la copia y valor de circulación son incluso más importantes que el origen.
¿ Ha sentido apoyo o rechazo al realizar este tipo de arte ? ¿ Cómo han sido las críticas ?
Vos sabes bien que el agresivo pasivo en el imaginario del tico promedio le hace ignorar todo lo que genere disonancia cognitiva. Me inspiro en dinámicas sociales y asigno gran relevancia a la capacidad de mi arte de generar diálogo y construir inteligencia colectiva. Como decía Laurie Anderson " El paraíso es exactamente donde te encuentras en este momento... solo que mucho, mucho mejor". Asi que prefiero crear para mejorar el aqui y el ahora, la gran historia del arte viene después. Son tres décadas de desencuentros con un sistema artístico basado en técnicas virtuosas, emulación de estilos y cita de maestros. Es un sistema condenado a ser derivativo por depender de imaginarios importados tras volverse añejos, y sostenido por profesionales que de veras se preocupan cada vez que vuelven a manchar el cristal blindado de la Mona Lisa. Y luego por supuesto esta la siguiente generación, que piensan transgreden o aportan algo cada vez que montan alguna variación nueva de los performances de Marina Abramovic.
¿ De sus videoinstalaciones cuales son las tres que más lo han marcado ?
Destacaría Caída libre (2003), un videoarte que recibió Mención de Honor en Inquieta Imagen del Museo de Arte y Diseño Contemporáneo. Pero no fue por eso. En el montaje se proyectó en un cuarto oscuro, lo que permitía que mis gemidos y respiración agitada fueran escuchados desde afuera, generando un juego de equívocos. Consistía en una alegoría al mito de Sísifo, pero para el siglo XX y en el enorme tobogan enroscado de un centro comercial. Las personas ingresaban al espacio esperando ver una escena sexual o algo por el estilo. Por primera vez sentí de primera mano la medida en que la instalación era capaz de cambiar sustancialmente los sentidos de un audiovisual.
Caída libre, colección permanente del MADC, 2013.
Gótico centroamericano (2004) fue una toma de consciencia importante en mi carrera. Era una narrativa interactiva ,en formato Realidad Virtual Quicktime, que atravesaba cuatro escenas en la casita de mis octogenarios tíos abuelos. El desplazamiento por imágenes de 360 grados hacía al usuario buscar pasajes entre escenas por techos colapsados, cactus con sonidos de campana y campanas que gritaban. Tras el retorno al jardín en la última imagen 360, ahora sin la pareja, con una paleta de colores encendida y zumbido de insectos, el tránsito físico por la casa se revelaba como viaje temporal hacia la muerte.
Primero estuvo en la expo La máquina de hacer niebla, Museo de Arte y Diseño Contemporáneo (MADC), después en la Segunda Bienal Inter-Americana de Video Arte del Banco Interamericano de Desarrollo (mención honorífica), Washington DC, USA (gira por 20 centros culturales en Latinoamérica), en LA Freewaves: Too much Freedom (2007), Los Angeles, EEUU, y en Centro Fundación Telefónica en Lima, Perú (2007), y en FILE: Festival de Nuevos Lenguajes Electrónicos, Sao Paulo (2005), asi como en Arte Jóven de Costa Rica, BID, Washington DC (2007), y en la expo del mismo nombre y año en Museos del Banco Central, Costa Rica. En esta última videoinstalación se recreó la decoración de la casa de mis tíos abuelos. Fué quizás mi obra más celebrada, producida tras más de un año de experimentación con tecnología punta Quick Time Virtual Reality y lenguaje de programación Qscript que nadie usaba en Costa Rica y poca gente fuera del país.
Era como si un marciano aterrizara en el Parque Central... y sin embargo no habían pasado ni tres años cuando Apple cambió aspectos de Quicktime 6 y rompió compatibilidad. Esa obra y otras QTVR con las que obtuve reconocimiento en la Bienal Centroamericana del 2005, ahora solo se podían reproducir recreando un sistema viejo con la versión Quicktime 6, obsoleta en el 2008. Fué una gran lección de humildad, casi un vuelo de Ícaro. A partir de ese momento siempre que puedo uso software libre, cuyo desarrollo es guiado por la comunidad de usuarios, no la avaricia de una sola compañía.
La tercer videoinstalación de la que aprendí mucho fué Virtua death (2017). Interroga como usamos la interfaz de FaceBook para informar de incidentes y tragedias. Treinta y dos capturas de pantalla, tomadas a lo largo de treinta y dos días en Facebook, corren en bucle desde un marco digital blanco, sobre una mesilla alta de madera, junto a una rosa blanca artificial. Se trata de contenidos pragmáticos, en última instancia sobre la vida y la muerte. Pero las redes sociales los transfroman en otra cosa.
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Comunicar tan rápidamente, pero con fondos automáticos brillantes y coloridos de gatitos rosas, corazones, flores y serpentinas ¿ trivializa los accidentes de tráfico y las muertes o, por el contrario, a la manera de una Vanitas del siglo XXI, crea pequeños placeres que consuelan ante lo inevitable ? Esta pieza primero fué expuesta en la Bienal Wrong: 52 Hertz, Centro Cultural de España en Costa Rica (2017) y posteriormente en la expo individual demo CRACY demo (2018) en la galería de la Escuela Casa del Artista en Guadalupe.
El año anterior había trabajado con placas arduino, motores, sensores y programación para lograr que un poste atropellado de la Ruta 32 temblara, se moviera y hasta saltara al caminar a su alrededor en la expo TLC: 10 años de controversia. La programación y el armado del hardware fué una compleja prueba y error de seis meses. Media hora antes de la inauguración derritió parte del cableado. Logré resoldar y echarlo a andar de nuevo desconectando uno de los dos motores, pero es algo que jamás quiero repetir. En Virtua death por el contrario, me limité a simular un marco digital de fotos con una tablet. Su escasa tecnología no resta, más bien suma potencia a la obra. No uso tecnología porque me guste, sino porque quiero ser de mis tiempos, no vivir refugiado en el pasado bajo una nube de nostalgia. No voy a dejar de usarla, pero con Virtua death confirmé que muchas veces menos es más. El uso acrítico o excesivo de tecnología digital, se trate de especulaciones formales o generativas como Net Art original o incluso de sarcasmo casi Neo Dada, al revelarlas disfuncionales o insostenibles, como hacen algunos colegas con hardware reciclado, sigue siendo parte de y alimentando el Espectáculo.
¿ Tiene alguna anécdota que quiera contar sobre su obra ?
Tras la exposición Arqueticos en 1994, una persona me preguntó que si me había ido bien y había vendido mucho, yo le respondi que me fué de maravilla y no vendí nada. Eran apenas siete obras en el recibidor de un teatro, pero estaba contentísimo de por fin exponer collages de gran formato y dejar atras el pesado bagaje de los "fine print" y la foto modernista estilo Cartier-Bresson, de encuadre único. Nunca pensé que alguien fuera a comprarlas. Las expuse porque amé cada segundo del proceso de investiación y creación. Mezclé los arcanos mayores del tarot con mis percepciones de San José tras años de ausencia. Rafa el templado, una de las siete piezas, fue robada de una galería en Los Yoses. La torre de San José, donada y condenada a la bodega por 25 años, sigue siendo mi única obra en colección MAC. La luna acariciada, la restauré para la exposición Detras del portón Rojo: Una visión de erótica en el arte costarricense (2017). Expuse esta pieza entre cientos de extraordinarias obras abarcando registros muy diferentes del deseo y la corporalidad. Compartiendo pared con Amighetti y frente a dibujos de Carballo. Sigo pensando que me fue bien a pesar de nunca haber recibido un cinco por ninguno de mis Arqueticos.
¿ Qué consejo le daría a una persona joven que quiera estudiar arte ?
La poeta costarricense Julieta Dobles, ante la pregunta de cómo vivir del arte, llama a éste la "profesión del alma". Afirma que hay que complementarla con otra profesión: aquella del cuerpo. Es decir no debemos esperar ganarnos la vida con el arte. El arte más bien otorga sentido a la vida. Mi experiencia con galerías en CR ha sido deplorable. Entiendo porque tantos colegas se expatrian para producir arte actual. Tampoco es nada nuevo que grandes eventos artísticos atraigan artistas jóvenes dándoles un dinerito simbólico a cambio de permitirse incidir en el proceso de sus obra. Tras estos eventos suele haber intereses de lucrar, legitimar ideologías, o preservar estatus quo. En ausencia de un mercado del arte más diverso y dinámico en CR dependemos más de instituciones que en otros países de la región (obvio no Europa). Las instituciones son excelentes preservando patrimonio y frenando el cambio. Ven con desconfianza formas artística más sociales, descentralizadas, colaborativas y sobre todo transformadoras de la sociedad. ¿ Qué mejor forma de lograrlo que poner a los artistas a competir entre si y exagerar la importancia del ejercicio de estilos y movimientos artísticos ya reconocidos ? Por mucho que se las disfrace con discursos transgresores, las obras aceptadas o premidas suelen ser objetos delicados, tabuados y expuestos en lujosos edificios. Más o menos como mi Luna acariciada junto al Amighetti... Yo no soy quien para decir a un artista joven que hacer, pero sospecho que una de las pocas cosas peores que ser artista comercial y repetirse como maquila por décadas es serlo institucional. Por suerte hay alternativas, pero como decía Única mientras miraba al mar... " si hay pero hay que hacerlo". Ojo con quienes dicen vivir del arte y prometen resolverles la vida. Tras décadas de cuento, ahora prefiero aplicar mi creatividad a grupos específicos, se trate de comunidades que conviven, simbólica o físicamente, con la tragedia de megaproyectos -país tipo Ruta 32, o de pacientes que recuperan control de su cuerpos y vidas del Big Pharma gracias al cannabis medicinal. Mi arte social puede aportar bienestar y autonomía a muchas personas, lejos de instituciones y galerías. Si solo puedo sugerir una cosa sería esta: no se callen. Que en el momento que te callan empiezas a morir.
¿ Actualmente tiene pensado realizar algún proyecto nuevo de arte ?
Desde hace cuatro años documento comunidades de personas pacientes que aprenden a sanar con CBD, CBN, THCA, CBDA y otros cannabinoides medicinales. Yo mismo fui paciente, algo que se aprecia en la Stone me. Casi 4000 capturas, posts, memes, notas y fotos rastrean mi autoaprendizaje de esta terapia prohibida y deseo de autodeterminación ante la clase médica e industria farmacéutica. De lejos, las imágenes del collage se fusionan y forman el rostro de una criatura mítica: la Medusa capaz de transformar en piedra a quien la mire. Ahora mismo produzco microfotografía de tricómas, la parte más medicinal de esta planta maestra. Aun no estoy seguro exactamente como, pero los testimonios de pacientes y usuarios de cannabinoides medicinales dialogarán con estos bosques microscópicos y medicinales,quizás proyectados mediante realidad expandida o desde el celular sobre las paredes del espacio privado de cada quien. O quizás haga solo super acercamientos estilo Karl Blossfeldt con testimonios claves entrando y saliendo de los diferentes planos de la imagen, o quizás no... realmente prefiero mantener los dados en el aire. ¡ No saber, atreverse a probar y asombrarse es de las cosas verdaderamente bellas del arte !
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