¿Para qué Salón Nacional de Artes?

 

El Salón Nacional de Artes Visuales existe para indicar direcciones en el imaginario artístico costarricense actual. Es importante porque revela tendencias no aparentes, un poco como tomar el pulso o hacer pruebas de sangre a una persona.

 

Al no tratarse de un evento curado alrededor de gustos personales, teorías estéticas o modas, debería revelar gran variedad de problemáticas y procesos artísticos vivos. El poeta Ezra Pound decía que "Artistas y poetas, sin duda alguna, son excitados y sobreexcitados por los acontecimientos mucho antes que el común de las gentes". Las personas artistas funcionamos como antenas de la sociedad, por nuestra capacidad para sintonizar y compartir ideas y transformaciones sociales antes de que sean evidentes para el resto de las personas.

 

El mejor arte cambia percepciones y las percepciones cambian el mundo. Sin embargo, a 15 días de que cierre, se han publicado solo dos textos sobre el Salón Nacional de Artes Visuales 2025. El primero, descalifica obras, criterios, dinámica de selección, presupuesto, administración, etc de forma infundada y mezquina (fue borrado del blog del autor, pero quedó temporalmente en Vimeo). El segundo bastante más ecuánime, divide todas las obras en solo dos categorías muy generales de crítica al contexto y archivo sobre el mundo. Luego, asumo que por limitaciones de espacio, prioriza la descripción de premios y menciones, bajo una lógica de "el ganador se lo lleva todo". Eso funciona en los casinos, pero no estoy seguro lo haga en las artes. 

 

Neil deGrasse Tyson: "He aquí la diferencia, puedo descubrir algo en el universo, pero si yo no lo hago, otra persona que venga después lo descubrirá. Mientras que en las artes, aquello que tu has creado, nadie que haya nacido antes o vaya a nacer después compondrá o creará exactamente lo mismo. En ese sentido el arte es una expresión única de cada individuo, mientras que la ciencia es el descubrimiento de condiciones preexistentes en la naturaleza. En resumen, decimos, que algo "logró ser reducido a su ciencia", mientras que con arte decimos "fue elevado a una forma de arte". Son dos caras de la misma moneda".

 

Si bien dudo que el arte sea principalmente expresión individual, me sigue emocionando tras casi CUATRO DÉCADAS DE PRÁCTICA y TRES DÉCADAS DE CRÍTICA. Pero no cuando me lo explican, o tras leer la ficha de intenciones artísticas, ni aún menos al ver obras competir como caballos de carreras. El arte, para ser verdaderamente mágico, exige tiempo, atención y paciencia. Solo así activa resonancias personales, revela belleza conjuntiva y relevancia histórica. Más que preguntarnos ¿qué quiso decir esta artista? la pregunta bien podría ser ¿qué hace esta obra para hacerme sentir o pensar así ?

 

Naturaleza intervenida de Alessandra Sequeira, consiste en una pieza textil de varios metros de largo. Tejida con una mezcla de fibras naturales y corte laser acabado a mano. Evoca la forma en que el micelio, parte vegetativa y subterránea de los hongos, conecta todo lo vivo en la tierra. El reino fúngico contribuyó a reoxigenar la atmósfera terrestre, y hacer posible la vida como la conocemos, hace 600 millones de años tras las super glaciaciones del período Criogénico. No es casualidad que los pueblos ancestrales llamen abuelos a los hongos. Sequeira, sensible a todo esto, limita la saturación con delicados tintes naturales, pero es generosa en texturas, para sugerir tanto poder regenerador a través de intrincadas redes orgánicas, en que el espectador sensible se puede extraviar y reencontrar varias veces.

 

 

Eterno infinito de Blanca Ruiz Fontanarrosa es una pintura abstracta de fondo blanco con aguadas monocromáticas. Dominan dos formas globulares sobrepuestas. Bajo ellas hay una serie de líneas y manchas grises verticales. El contrapeso lo proveen cortos trazos horizontales, diminutas espirales y marcas en rojo carmín. Logra un efecto de gran refinamiento y equilibrio en un plano pictórico muy activo y a la vez crudo, afín al Art Brut. Me hizo recordar la afirmación, atribuida a Werner Heisenberg "Cuando conozca a Dios, le voy a hacer dos preguntas: ¿por qué la relatividad? ¿y por qué la turbulencia? Estoy seguro de que tendrá una respuesta para la primera?" A diferencia del movimiento de las estrellas y la relatividad, que se pueden describir con ecuaciones engañosamente sencillas, la turbulencia es absolutamente horrible de describir matemáticamente. Que algo tan aparentemente simple sea capaz de humillar nuestro intelecto es un recordatorio de lo asombroso de las fuerzas naturales y de como el arte, en este caso pintura modernista tradicional, permite acceso a verdades casi infranqueables.      

Impronta de Carolina Parra Thompson propone un cubo de ropa blanca comprimida con una cara entintada. Junto a él expone la impresión de dicha faceta, ampliada e invertida. El juego de diferencias y similitudes entre el objeto y su estampa, lleva a una reflexión sobre el ímpetu de reencarnación de unas cosas en otras. Sin presencia explícita del mundo natural, Parra Thompson logra evocar el poder de regeneración de lo orgánico. La imagen invertida oscila entre lo abstracto y la ilusión de formas de vida entre pliegues y cavidades impresas. De vuelta al cubo de ropa comprimida, resulta difícil no preguntarse sobre que otros entes habitan esas caras aun sin entintar. Como el mejor arte, no inhibe la imaginación con excesos virtuosos ni pirotecnia, sino que genera asombro y cuestionamiento, con ejemplar economía de medios.

 

Iconografía de la tierra en lucha de Ivannia Lasso encapsula docenas de raíces, pedacitos de ramas, semillas, fragmentos de panales y corales en cajitas cuadradas de madera. Las hay de tres tamaños diferentes y el fondo de todas ellas ha sido pintado de color rojo de alta visibilidad. Están dispuestas a diferentes alturas en la pared. El efecto sobrecogedor de tanto rojo alrededor de fragmentos secos de seres vivos precipita una referencia a exvotos religiosos. Para los pueblos originarios todas las cosas, vivas o no, poseen espíritu. Aprender a tratar con ellas implica un diálogo respetuoso entre pares. La naturaleza no es un recurso a explotar. Lasso combina muy bien todos estos elementos para hacernos sentir esa dimensión espiritual del mundo natural.

 

Estos son solo cuatro ejemplos de creaciones en el Salón Nacional 2025 que apuntan hacia un resurgimiento de la biofilia, o urgencia humana de reconectar, no solo ocasionalmente, sino de revalorar nuestra relación cotidiana con el mundo natural. Acuñado por Erich Fromm en El corazón del hombre en los 60, expandido y popularizado por Edward O. Wilson décadas más tarde, la biofilia no es un concepto nuevo. Sin embargo la humanidad ha cruzado un umbral que pide restituyamos esta dimensión espiritual y práctica para lograr sobrevivir como especie.

 

La biofilia aplicada puede traerse abajo la prepotencia de las mega corporaciones, que destruyen la base misma de la vida por unos dólares más. Un habitar pausado y coherente con nuestro origen evolutivo nos saca del frenesí del rendimiento-espectáculo 24-7. Tan solo atender una huerta en macetas restituye nuestros sentidos y hace el futuro posible de nuevo. Pasar gradualmente de la cultura del desecho a la regenerativa crea abundancia y diversidad verdaderas, no simuladas industrialmente. Estas artistas, sea de forma consciente o inconsciente, tocan la biofilia en sus maravillosas creaciones y, aunque no recibieron premios ni atención en los medios, merecen mayor apreciación.

 

Limitaciones de espacio me impiden describir y elaborar sobre otras obras de calidad en el Salón Nacional de Artes Visuales 2025 que rozan o tratan explícitamente la biofilia: Asedio, de Eliecer Rodríguez, Iluminaciones de Roberto Carter, Vortex de Daniela Acuña Carmona, Cortes de agua de Amy Martínez Urbina, Desconexión entre el ser humano y su entorno cultural de David Alonso Alvarado, Costa Rica es pura vida de Andrés Murillo, Zona gris de Beatrix Parra, El cocodrilo de Wendell Rivera, S.N. 201124 de Katrin Aason o incluso Solo una cicatriz... y Mucho más tranquila..., ambas de la serie Flores Pacientes - Cannabis, de mi autoría.

 

Existen muchas más corrientes temáticas subterráneas en el Salón Nacional 2025. A uds. les corresponde descubrirlas. La lectura de obras en base a elementos biográficos o declaraciones de intención de las personas autoras tiene grandes limitaciones. Lean las fichas, pero antes permítanse al menos un par de minutos delante de las obras que más les atraigan o repulsen, que de las dos se aprende por igual. La obra de arte es una experiencia dinámica cuyo sentidos y funciones cambian en diferentes momentos, contextos y espectadores. Atrás quedaron los tiempos en que el polo emisor (artista) o el canal (instituciones y especialistas) lograban controlar la construcción de sentidos.

 

El Salón Nacional de Artes Visuales 2025 cierra el 21 de setiembre. Disfrútenlo ahora, en horario de 9 a 4 martes a domingo en La Sabana. Es un lujo tener acceso gratuito a un espacio como el Museo de Arte Costarricense. Reconocimientos especiales a María José Chavarría, curadora actual del MAC. El esfuerzo y pasión que he visto en ella para con todas las actividades paralelas, a pesar de ser la primera vez que prefirió no participar en el jurado, me ha hecho replantearme muchos prejuicios.

Abrazos

Jorge Albán-Dobles

https://jorge-alban-dobles.blogspot.com/p/entrevistas-videoinstalacion-2022.html

https://jorge-alban-dobles.blogspot.com/p/entrevista-noorderlicht-2002.html

 

     

 

 

Fotos que se frotan en F de Imagen

En la web, pero especialmente en redes sociales, las imágenes se contextualizan, complican, suman y restan entre sí, como nunca antes en la historia de la humanidad. Ya sean pinturas rupestres en cavernas, o fotografías en la página impresa de una revista gráfica, la lucha histórica por controlar el contexto interpretativo siempre ha sido tenaz.

 

Las pinturas rupestres, en cavernas oscuras y de difícil acceso, cobraban fuerte sentido ritual. Decenas de miles de años después, en el siglo XX, fotos diagramadas en la página impresa de revistas gráficas industrializaron el ritual de celebrar héroes y heroínas. Tal fue el caso del famoso ensayo fotográfico Partera y Enfermera de Eugene Smith que analicé a fondo hace unos años. Smith renunció repetidamente a Life Magazine por diferencias con los editores sobre la diagramación, número de imagenes y relación de estas con la publicidad.

 

En redes sociales, a pesar de la agrupación en canales o carpetas, el asunto es como el tango Cambalache: una cacofonía de imágenes que a menudo complican e incluso restan sentidos. No es coincidencia que dos fotógrafos que presentan su trabajo en F de Imagen en Barrio Amón en mayo 2023, recurran a formatos clásicos para retomar control y afinar sentidos lejos de las redes sociales.

 

 

Fragmento de tercer panel en Catálogo y Conjuntos, Ana Lucía Jiménez

                          

En el caso de Ana Lucía Jiménez su muestra fotográfica Catálogo y Conjuntos propone selecciones diagramadas y enmarcadas de fotos tomadas durante 31 años de viajes por Latinoamérica, Europa y EEUU. Agrupadas para sumar sentidos de forma controlada, y superar el fácil catálogo viajero, algunos de los conjuntos resultan especialmente evocadores.

 

La mirada fresca, aparentemente libre del viajero, suele fijarse con detalles que en el entorno cotidiano pasarían inadvertidos. Recordemos que hoy en día el turismo funciona como paliativo a la hipreproductividad: "El ocio es la gran deuda pendiente de una sociedad que hace más de 100 años prometió más tiempo libre a través de la industrialización y en la que hoy, ya sin otra utopía que el mercadeo, trabajan dos porque lo que uno solo gana no alcanza y las vacaciones, zanahoria que cuelga frente a la bestia de tiro, mantienen al mundo civilizado funcionando". Pueden leer el texto completo, bajando al 2001 en https://jorge-alban-dobles.blogspot.com/p/textos-curadurias-y-distinciones.html.

 

 

Fragmento del noveno panel en Catálogo y Conjuntos, Ana Lucía Jiménez

                          
 

 El registro del fotógrafo viajero abarca desde la mirada oscura de peatón existencialista de Klavdij Sluban, cuya expo en Costa Rica analicé hace unos años, hasta instantáneas robadas desde la seguridad del turista que dispara sin bajarse de su rickshaw en la India. Se los juro, en una ocasión alguien muy orgulloso, me mostró precisamente eso.

 

Jiménez no cruzó Centroamérica en bus como Sluban, pero el haber residido en varios de los países en que fotografió la vuelve mucho más atrevida que el temeroso turista en la India. Sus mejores conjuntos implican nocturnidad, sombras y bastante invención constructiva. Ni la dimensión estrictamente formal ni el virtuosismo técnico de calendario dominan aqui. La contemplación de sus fotos impresas, cuidadosamente combinadas para evocar, deja muy atrás la foto digital hiperprocesada de geometrías elementales y pocos planos que a menudo triunfa en la pantalla mínima de nuestros celulares.

 

 

Detalle de contraportada en impreso de Catálogo y Conjuntos, Ana Lucía Jiménez

 Su posvisualización, que es como solíamos llamar a todo lo que venía tras la toma en tiempos de laboratorio químico, prioriza el descubrimiento de relaciones insólitas entre fotografías. El catálogo de la exposición propone aún otra manera de catalogar las fotografías mediante palabras claves. Esta muestra se puede visitar en F de Imagen hasta el 3 de junio los días jueves y viernes de 1 a 5, sabados 13 de mayo y 3 de junio de 10 a 3, así como durante el Art City Tour del jueves 18 de mayo.

 

 

Página 22 de el libro El Arca de Babel, de JP Monge

                           
 

En esa última fecha JP Monge presentará su foto libro El Arca de Babel. Se trata de una crónica visual y textual, en un principio cronológica, luego histórica y eventualmente personal de lo que implica construir un velero gigante de madera en Punta Morales de Guanacaste.

 

Las fotografías hacen un guiño constante a Sebastiao Salgado, que en su momento tomó estilo del antes mencionado Eugene Smith. Se trata de una épica de personas comunes y a la vez extraordinarias. Héroes y heroínas cuya piel sudada y curtida se confunde con madera y metal mediante foto clásica en blanco y negro de alto contraste. Es un homenaje al trabajo manual, que no despareció como en algún momento sugirió Salgado en su proyecto Trabajadores, sino que fue aún más alienado por la globalización económica y automatización mecánica.

 

 

 

Vista abierta del libro El Arca de Babel, de JP Monge

                            
 

 

La construcción del Ceiba, velero gigante tan anacrónico como futurista, propulsado a vela pero con motor de hidrógeno, sucedió alrededor de la pandemia del 2020. Me cuesta creer que la coincidencia de cuarentena y buque hecho a mano haya sido casual. Recuerdo que grandes filósofos anunciaron que esta sería la gota que derramaría el vaso de abusos del capitalismo y traería una nueva era. Escéptico, encontré algo de solaz en el aumento de los ciclistas, el hecho en casa y autocuidado personal... ¡ pero ni me pasó por la cabeza una locura de desaceleración tecnológica de tal envergadura !

 

Monge decide trascender la ilustración y no identifica cada personaje con su imagen. Nos cuenta brevemente de Lynx, Pancho, Yamileth, Nico y los demás "yardies" o miembros del equipo de contrucción pero, al igual que el Salgado más político de Terra, procura convertirlo en un retrato colectivo. 

 

Semejante épica visual contrasta con la ternura e intimismo de los poemas y textos en la segunda mitad del libro. Tras varias lecturas sospecho esto le permite trascender el referente de la construcción del barco y las referencias estilísticas mencionadas, para hacerlo tan suyo como una ofrenda personal al mar, origen y destino de toda vida.

 

 

 

Portada del libro El Arca de Babel, de JP Monge

                       
 

La última versión remozada de este hermoso libro de 100 páginas quedará en exhibición en F de Imagen tras la presentación durante el Art City Tour del 18 de mayo. De agotarse también ahí también puede ser apreciado y preordenado con un descuento del 20% en la web del autor:

 

https://jpmonge.net/libro-el-arca-de-babel

demo CRACY demo 2018

ENGLISH SITE TRANSLATION: https://jorge--alban--dobles-blogspot-com.translate.goog/2018/08/demo-cracy-demo-2018.html?_x_tr_sl=es&_x_tr_tl=en&_x_tr_hl=es&_x_tr_pto=wapp

 

  

Cartel de demo CRACY demo (2018)

Tras diez años dedicado casi exclusivamente al arte digital inmersivo y micro docus web decidí a volver a presentar un conjunto de piezas de arte en el espacio físico. Cansado de la casita de adobe y visión bucólica del paisaje heredada del excepcionalismo en la historia nacional, me inspiré en los postes abatibles de la Ruta 32 a Limón. Dichos indicios de violencia abundan a lo largo y ancho del paisaje costarricense actual. Partí con la intención de cargar estéticamente estos objetos industriales vueltos de desobediencia en carretera, hasta volverlos metáfora de algo mayor.

 

Cientos de postes abatibles rotos, diseñados para separar carriles, ensucian ahora atropellados la Ruta 32. Se trata de la vía con más camiones y accidentes fatales de Costa Rica, y no ha sido ampliada en casi 40 años. Los postes fueron tan sistemáticamente atropellados que, dos años después de su instalación, la empresa a cargo dejó de reponerlos alegando uso inadecuado de los conductores. El gobierno costarricense demandó a la empresa, y una vez más quedó en evidencia la crisis de gobernabilidad democrática, recordando que se trata de algo más que basura de carretera. 😉

Tras conversar con Esteban A. Calvo Campos, historiador del arte, en ese momento profesor y coordinador de investigación en la Escuela Casa del Artista Olga Espinach Fernández, me decidí a montar la exposición en dicho lugar. Conocí al Sr Calvo para la gran exposición Posibilidades de la Mirada: Nuevo Guión en el Museo de Arte Costarricense (MAC). Compartí con él como colega profesor en la Universidad Veritas y me percaté de su cuestionadora visión, diferente a la de otros historiadores. 

 

 

Vista frontal nocturna de entrada a demo CRACY demo (2018)

 

Las ocho piezas que componen la expo demo CRACY demo (2018) combinan asuntos locales con temas globales y estrategias inestables de representación. Es la suma de dos décadas y media de interrogar el signo y representación técnica fotográficas. Su combinación de estrategias de literalidad (Ingobernabilidad II), arte posinternet (Virtua death y Democracia), reconstrucción ideológica del continuo espacio-tiempo (Mártires de tanta revolución, Skin Nickelodeon), y deconstrucción subversiva de la verosimilitud fotográfica (100% Serpentinata, Sin caritas) no tiene parangón en el arte local.

No se trata de simple experimentación. Cada estrategia de representación trabaja con su imagen para indagar el asalto digital cotidiano a nuestros sentidos. El conjunto exige un constante ajuste sensorial al espectador, no limtándose a generar variaciones de estilos ni técnicas maestras como se enseña en las escuelas de arte del país. Más que construir una ilusión, se fundamentan dudas sobre sobre la estabilidad de la representación digital y ejercicio del poder democrático. 

 

                                             Justiciómetro (2018), vídeo UHD, 62 segundos sin sonido.

 

La videocreación Justiciómetro recibe al espectador nada más cruzar las puertas acristaladas y automáticas de la Escuela Casa del Artista. En pantalla, lo que asemeja una aguja o paso a nivel amarillo oscila precariamente entre golpes verticales de luz y color. Tras unos instantes se vuelve aparente que se trata de un poste abatible y tráfico de la Ruta 32, asi como que la escena fué grabada con la cámara de vídeo girada en vertical y la acción muy acelerada.

 

El video, carente de sonido propio, se nutre de frenazos, pitos y rugidos de motor de camiones en la rotonda y paradas de autobus cada vez que algun visitante entra o sale por la puerta principal del edificio. Esto no solo confunde la representación en pantalla con el sonido de la calle sino que, a la luz del título Justiciómetro, troca el conjunto en una oscilante metáfora del precario pacto social nacional.

 

 

Virtua Death (2017), video instalación, 192 segundos en bucle.

 

La segunda pieza hacia la izquierda fué Virtua Death (2017), una videoinstalación que interroga como la interfaz de FaceBook es empleada para informar de incidentes y tragedias en el grupo Ruta 32 y su Estado. Treinta y dos capturas de pantalla, tomadas a lo largo de treinta y dos días en Facebook, corren en bucle desde un marco digital blanco, sobre una mesilla alta de madera, junto a una rosa blanca artificial. ¿Cómo modulan las redes sociales contenidos, en principio pragmáticos, pero en última instancia sobre asuntos de vida o muerte ?

 

La facilidad de crear postsautomatizados  rápidamente, con fondos brillantes y coloridos de gatitos rosas, corazones, flores y serpentinas ¿ trivializan los accidentes de tráfico y las muertes o, por el contrario y a la manera de una Vanitas del siglo XXI, se trata de pequeñisimos placeres que consuelan ante lo inevitable ? Esta pieza fue también expuesta en la Bienal Wrong: 52 Hertz, Centro Cultural de España en Costa Rica (2017).

 

 

Vista de Virtua Death, Skin Nikelodeon e Ingobernabilidad II en demo CRACY demo (2018)

La tercer pieza, Skin Nikelodeon (2018), es un video estereoscópico en bucle. Propone un recorrido lento e inexorable sobre golpes y llagas de postes abatibles que por momentos se confuden con extremidades humanas. En palabras de Fernando Chaves Espinach para el suplemento cultural Áncora el 24 de junio, 2018: "Quizá la pieza que mejor representa este cuestionamiento (de la mirada y el condicionamiento del dispositivo) sea Skin Nickelodeon, una videocreación vista en miniatura que recuerda las primeras formas de exhibir cine -una criatura de la modernidad- a principios del siglo XX. Cuando miramos por el minúsculo visor, como en el nickelodeon de las ferias de antaño, vemos cómo un poste muta en piel, la analogía se convierte en carne" ( https://www.nacion.com/ancora/en-el-arte-de-jorge-alban-la-crisis-de-la/66VYNGSFMRFTDNYNR2BWYLPNRI/story/ ). 

 

 

Skin Nikelodeon (2018), vídeo estereoscópico (720P, 60 segundos en bucle)

 

 

            

          Ingobernabilidad II (2018), instación de postes pirograbados, 200x130 cmts

 

La cuarta pieza de esta expo es Ingobernabilidad II (2018). La versión I, con sensores que reaccionaban al movimiento delos espectadores, fue incluida en TLC 10 años de controversia en CRAC ART a fines del 2017. Los asistentes a la muestra se movían haciendo al poste abatible atropellado y partido por la mitad sacudirse y saltar como animal herido. Para demo CRAZY demo presenté una versión con menos concesiones al entretenimiento y la robótica desconectada. El mismo poste abatible de plástico, grabado al fuego con la palabra "ingobernabilidad", la "O" con forma del icónico corazón de la campaña del NO al TLC (CAFTA) del 2007.

 

Pero, en esta ocasión, el poste abatible no se encuentra solo. Docenas de postes destrozados alrededor suyo lo contextualizan y restituyen su trágica materialidad. Tras ofrecer al espectador tres representaciones de video altamente técnicas y estilizadas (videocreación, videoinstalación y vídeo estereoscópico) en la muestra me pareció oportuno emplear semejante estrategia de literalidad.

 

 

Democracia (2017), fotografía lenticular con animación de 6 fotogramas, 42 x73 cmts.

 

Democracia (2017), había sido anteriormente seleccionada e incluida en Inquieta Imagen 2017 en el Museo de Arte y Diseño Contemporáneo MADC. Se trata de un foto lenticular en la que el movimiento del espectador alrededor de la pieza precipita una animación. Un poste abatible literalmente cae al suelo, generando un afecto o colapso emocional precognitivo, en el sentido de la teoría de los afectos de Brian Massumi.

El afecto sumado al título de la pieza reafirman un nivel de interpretativo mayor y recuerdan en lo que ha devenido el ideal democrático de la Grecia Antigua de un gobierno del pueblo y para el pueblo. Toda la obra funciona también como una especie de gigantesco GIF físico (arte post-internet), tanto en su complicidad al precipitar la caída o perdida de vigor del poste, como a repetir la historia en un bucle vicioso y cerrado.

 

 

Mártires de tanta revolución (2017). 174x72 cmt. CLIC PARA AMPLIAR

 

Mártires de Tanta Revolución (2017) fue la primera pieza del conjunto. Expuesta originalmente en Mil hombres: Tres fotógrafos en el Museo de Arte y Diseño Contemporáneo MADC (2017), ahora parte de su colección permanente. Los postes, fotografiados para acentuar su naturaleza sintética, con alta saturación y mínimo modelado reminiscente del Arte Pop. Su disfunción eréctil remite socarronamente a la crisis de la identidad masculina patriarcal, abuso del poder y velocidad, encarnada en el automóvil y concepción mecanicista del progreso.

 

La secuencia horizontal hace creer al espectador distraído que se trata del mismo poste en diferentes momentos de su destrucción. La observación revela fondos diferentes y multiples agresiones a muchos postes. La palabra "revolución" en el título precipita un deslizamiento de sentido, hacia monolitos y edificios de aspiración vertical, como el Monumento a la Revolución o rascacielos capitalistas, legados de una visión positivista y "revolucionaria", de la historia moderna.

 

 

100% Serpentina (2018), impresiones en tinta pigmentada con visor estereoscópico, 45,5x24 cmts y 15x11,5 cmts.

 

100% Serpentinata (2018) propone una imagen de belleza formal y retórica helénica clasicista. Un torso humano atrapado entre postes plegables se retuerce en una dolorosa pose de serpiente, una prolongación del contrapunto que recuerda a Laocoonte y sus hijos. Le acompaña una fotografía que muestra la cocción, atada y a alta temperatura, de esos mismos postes para hacerlos retorcer; revelando la delgada línea entre causa y efecto, víctima y victimario, así como los normalmente ocultos procedimientos necesarios para la producción de tan clásica belleza.

 

 100% Serpentina (2018), impresiones con visor estereoscópico, 45,5x24 cmts y 15x11,5 cmts.

 

Sin Caritas (2018) es la última obra de demo CRACY demo. Propone una estrategia más de deconstrucción representacional. En esta ocasión la misma imagen se repite dentro y fuera del visor estereoscópico. Sin el aparato la foto nos confronta, casi como una máscara diabólica o un animal monstruoso a punto de devorarnos. A través del visor estereoscópico, la imagen se transforma en un espacio 3D casi sacro, de armoniosa y tranquilizante geometría equilátera.

 

 

Sin Caritas (2018),impresión en tinta pigmentaria con visor estereoscópico, 50x33,3 cmts. y 15x11 cmts.

 

 

 

Sin Caritas (2018), impresión en tinta pigmentaria con visor estereoscópico, 50x33,3 cmts. y 15x11 cmts.

 

La misma imagen, vista a través de diferente interfaz, genera lecturas diametralmente opuestas. Lleva a cuestionar la confianza en nuestros sentidos y su mediación a través de aparatos e interfaces. El título Sin Caritas, hace referencia a la aparente máscara fuera del visor 3D. También es una expresión que muchos padres utilizan para pedir a sus hijos e hijas pequeños asumir un comportamiento sumiso. Dicho llamado a reprimir las emociones puede transportar a muchas personas a la infancia. Se trate de visitar al medico, tomarnos un medicamento, comer algo que no nos gusta o recibir una visita que nos desagrada, esta expresión predispone ante el ejercicio del poder para el resto de nuestras vidas.

 

 

Vista de Mártires de Tanta Revolución, 100% Serpentinata y Sin Caritas en demo CRAZY demo, 2018.

 

Vista de Justiciómetro, Sin Caritas y Cartel Promocional en demo CRAZY demo, 2018.

 

 

 

Catalogo flip book de la muestra demo CRACY demo (2018), CLIC PARA AMPLIAR

El catálogo de demo CRACY demo es un libro de bolsillo animado o ¨flip book¨. Abierto de izquierda a derecha funciona como lista razonada e ilustrada de las obras de arte incluidas en la muestra. abierto por la derecha, si se lo desliza rápidamente entre los dedos, recrea la pieza lenticular Democracia, descrita anteriormente. Cartel y catálogo son coherentes con la inestabilidad representacional presente en todas las obras.

 

 

Flipbook catálogo de demo CRACY demo (2018)

Mil y un hombres, tres fotógrafos 2017

 

Variaciones suburbanas A+C, foto análoga en inyección pigmentaria, 2001, 140x60 cm, Colección MADC.

 

 "La primer sala explora la relación del cuerpo y el espacio público en las prácticas de configuración de masculinidades. La obra de Albán contextualiza esta mutua transformación: habitamos espacios que nos habitan, tal es el caso del guarda en su caseta o el hombre que asocia su potencia sexual con excesos de velocidad en carretera."

 

 

Mártires de tanta revolución, foto digital en inyección pigmentaria, 2017, 180x90 cm, Colección MADC.
 

 

"La siguiente sala, denominada Rito, Mito y Desmitificación despliega una serie de arquetipos masculinos que muestran que la masculinidad no es biológica, sino histórica y cultural. (...) surgidos de cuentos populares o dela imaginación como en estas obras de Albán. Se trata de la gran narrativa histórica de la masculinidad de héroes y antihéroes versus la microhistoria de mujeres y hombres cuyas configuraciones de prácticas de género repiten o desdicen estereotipos."

 

 

S/T De la serie "Conversaciones en el Parque" , foto analógica en inyección pigmentaria, 2002, 210x80 cm.

 

 

Flor y Morazán, foto digital en formato de tarjeta postal promocional, 2002, díptico de 30.6 x 10.9 cm.

 

 

 

Sometido, plata en gelatina virada al selenio, 1999, díptico de 50 x 120 cm.

 

 

Malamansado, plata en gelatina virada al selenio, 2000, díptico de 50 x 120 cm.

 

 

Recogido, foto digital en inyección pigmentaria, 2000, díptico de 50 x 120 cm.

 

 

 Juana la Anda, visores estereoscópicoscon videos en bucle. Mil y un hombres, tres fotógrafos, MADC, 2017.

 

 

 

Juana la Anda, dos visores estereoscópicos y videos en bucle, 80 s cada uno, 2017.

Esta obra es NUESTRA: José Pablo no comió flores para Yashico Fallas, pero meditó con las medias rayadas de su novia Selena Avendaño, quien lo imaginó de la mano de Oscar Herrera. El Indomable pudo con Chuck Norris, pero se dejó arreglar el pelo por otro hombre en el imaginario líquido de Patricia Velásquez. Albertine Stahl conjuró la seducción de Cruella de Ville en la piel de Eduardo Chang. Sandra Salazar Vindas cree en un Jorge Albán Dobles que trafica con nutrientes e imaginarios milenarios. Sole Albán Dobles soñó despierta con un Elías Carabaguías tan autosuficiente, que se volvió premonición. Carla Zurita vislumbró un Turo Barboza vulnerable ante su propia imagen. Allan Barboza fantasea que es fantaseado en su paternidad, quimera de Gabi Segura Umaña. Yamil de la Paz hace, ante docenas de cuerpos sudados, lo que Raquel Quesada Guzmán se figura ¿ o hace más ? ¿ Yita interpreta a Edgar Rojas, o hace justo lo que Mimian Hsu imagina para ponerse una flor en el ojal ? Quizás Juana Pereira ya no necesita ser imaginada por sacerdote alguno, ahora que, JUANA LA ANDA. 

"En esta última sala se muestran obras que en nuestro país dejaron huella, en los albores de la representación fotográfica de masculinidades alternas a la patriarcal. (...) En 1997 Jorge Albán mostró varias chatarras de automóvil sobre las cuales imprimió fotografías de él y su hija desnudos: el ícono de la vírgen con el niño, pero a la inversa. Estas imágenes generan un choque con la perspectiva patriarcal, para la cual la desnudez simultánea de un hombre con una niña podrían ser representaciones evocadoras de violencia sexual pero no de amor filial. Sus imágenes desafían dicha mentalidad."  

 

Hombre Doblado, plata en gelatina sobre chatarra sellada con resina epóxica, 1997.

 

Volkswagen año desconocido, plata en gelatina sobre chatarra sellada con resina epóxica, 1997.

Última noche con Soledad en el estudio, foto analógica en tintas pigmentarias, 2000, cuatro piezas de 30x40 cmts.

Era solo..., foto analógica en copia cromogénica con texto, 2001, 40x50 cm.

Nosfregamos..., foto analógica en copia cromogénica con texto en pared, 2000, 40x50 cm.

   

Era solo..., foto analógica en copia cromogénica con texto en pared, 2000, 40x50 cm.

Estos tres primeros párrafos son extractos del texto al catálogo de la muestra Mil y Un Hombre, Tres Fotógrafos, exposición colectiva curada por Adriana Collado Chaves y presentada en salas 2, 3 y 4 del Museo de Arte y Diseño Contemporáneo (MADC) del 18 de mayo al 29 de julio 2017. Por brevedad se ha omitido la reproducción del texto completo, que pueden encontrar en  https://issuu.com/madc/docs/catfotografos2

 

En el prólogo a dicha publicación Fiorella Resenterra, Directora MADC, concluye "Las potentes imágenes que Albán, Timms y Tischler han creado, siguen desafiando prejuicios sociales, con la misma fuerza (o tal vez más) que lo hicieron hace 20 años. Así son las obras que alcanzan cierta aura de universalidad: siguen por muchos años vigentes desafiando el statu quo que se aferra a antiguos (y obsoletos) paradigmas y que se resiste al cambio. Los artistas son como chamanes; nos revelan realidades que no queremos ver y con valentía, nos abren los ojos para enfrentarnos al mundo que está por venir. Al final esta muestra, tal vez, reunió más diferencias que similitudes entre estos tres fotógrafos; a veces estamos más cerca por que somos diferentes."

 

 

Narración web sensorial y floral

 

UNA EXPERIENCIA PERSONAL CON ESENCIAS FLORALES DE LLANO BONITO from Mariela Vásquez González on Vimeo.

 

Mariela creó este micro documental web en un momento emocional complicado. Para hacer las cosas más difíciles la maestra en extracción y terapia con "flores de Bach criollas" habita un lugar remoto, lo que reducía las posibilidades de recopilar material y corregir rumbo. La relación entre ambas mujeres fuertes atravesó etapas complicadas lo que, unido a la terapia floral transformó este viaje personal, en un diálogo del cuerpo con espacios y presencias de sanación y duelo.

 

Es sin duda uno de los proyectos que más me enorgullezco de haber acompañado en décadas de enseñanza universitaria, asi que quería compartir un poquito del proceso con uds. Si bien la idea siempre fue dejar a los sentidos revelar y evocar, no guiar mediante ideas o recetas, tras meses de trabajo Mariela se decidió por la modalidad performática de Bill Nichols. ( https://jorge-alban-dobles.blogspot.com/search?q=Nichols ).

 

 Los referentes incluían el libro Parteras del pueblo Santo Domingo de Heredia de Marta Zamora, la película Janela da alma (2001), un largometraje documental de João Jardim y Walter Carvalho. También se construye sobre la manera en que imágenes y sonidos generan sensaciones y emociones en los micro documentales web Madre de Alan Spearman (sobre un poema de Leonor M.J.) y el micro documental web Platillos boruca, tesoro vivo de la cultura costarricense, realizado por mi persona (  https://jorge-alban-dobles.blogspot.com/search?q=Platillos ).

 

Para evitar decir las cosas de forma explícita, en palabras de Mariela "La primera visita cumplió con el propósito de escribir en un diario impresiones, reflexiones, puntos de vista, lo cual marcaría
la guía para la documentación auditiva y visual. De dicho diario se extrajeron frases relevantes para la creación de la estructura audiovisual. Posteriormente, dichas frases fueron traducidas primero a emoción, y luego a sonido, esto, con el propósito de generar tanto densidad conceptual como sensorial e ir estableciendo un primer acercamiento al guión". Clic sobre las imágenes las vuelve legibles...

 

 

 

"Una vez aclaradas las ideas y los ambientes sensoriales se procedió a grabar los audios e imágenes. A partir de esto se generó un guión inicial, teniendo presente que cada visita genera nuevas inquietudes que construyen el sentido. En el proceso de visita se nutrió el vínculo entre las elaboradoras y la creadora audiovisual, esto marcó el desarrollo del guión y la conceptualización del material".

 

 

 

Finalmente estos sonidos fueron emplazados buscando puntos de contacto entre la estructura retórica (entrevista) y formal (imágenes) con el fin de alimentar una estructura asociativa que hilara el conjunto, y aportara densidad conceptual y sensorial, como se elabora en:

https://jorge-alban-dobles.blogspot.com/2010/08/de-cuenteros-y-profesores-que-aprenden.html

 

 

 

 

Olor a muñeca nueva

 No hablo ruso, ni italiano, pero entiendo el lenguaje visual de la publicidad que ejercí por casi quince años y aquel del videoarte hegemónico que practiqué otro tanto. El modernismo nos heredó el feo hábito de sobrevalorar la originalidad, asi que obviaremos la comparación con Jarmusch o Bergman. Del posmodernismo nos saltaremos la terca fórmula de la cita artística, por mucho que sea a Fellini o Woody Allen, para otorgar magnetismo crítico instantáneo a una obra nueva. ¿ Qué hay realmente de valioso y pertinente en la caleidoscópica película Muñecas rusas ?

 Tras quince minutos en la sala de cine, hasta la persona más distraida se percata de que le vendieron entradas para algo que no es exactamente “ficción narrativa” (su director se refiere a ella como documental). Doce minutos menos y Muñecas rusas duraría lo mismo que un programa regular de televisión, sin embargo es el primer largometraje costarricense que se atreve a desechar la curva dramática artistotélica de desarrollo de acción, climax y desenlace a la que nos ha condicionado el cine de espectáculo comercial e industrial hollywoodense. ¿Será este mérito suficiente para declararlo, punta de lanza del “Nuevo cine costarricense” como hicieran algunas personas?

 “Cine de riesgo” como se lo llama eufemísticamente en la industria fílmica, hemos tenido desde hace rato en Costa Rica. Cine que obtiene reconocimientos internacionales pero hace que las palomitas se le atraganten al público, cine que castiga al espectador inadvertido con puntos de giro y desenlaces aguados o abiertos como El camino, de Ishtar Yasin o Agua fria de mar, de Paz Fábrega, obra que confieso (en solapado homenaje a María Lourdes Cortés) me precipité a bautizar como la primera del “Nuevo cine costarricense” allá por el 2011: http://ayerestabaaqui.blogspot.com/2011/03/agua-fria-de-autora.html .

 Si el cine de ficción se ha vuelto, de tanto gastar y gastar los mismos caminos narrativos, una de las formas expresivas que menos esfuerzo exige al espectador, y por lo tanto de las más poderosas para remodelar el imaginario, ¿Cuales caminos nos invita a recorrer este juego de apariencias y variaciones sobre un tema, confeccionado por cineastas, para públicos cinestas, con cineastas como actores e incluso filmada dentro del espacio del mismo cine donde se llegó a estrenar?

 “El cine documental, en su diversidad, es quizás más inventivo que la ficción, que está muy codificada. Me parece que la ficción pasa siempre por los mismos senderos respecto del espectador. En tanto que cada film documental, en principio, está obligado a partir de cero” afirma André Labarthe. ¿Se deberá a ello la provocación del Sr. Ureña al referirse a Muñecas rusas cómo un documental y no como ficción o videoarte de más de una hora?

 En el 2012, integré el jurado de preselección del Festival de Cine de Costa Rica. Los demás integrantes del jurado acordaron, no solo declarar desierta la categoría de videoarte de pantalla, sino recomendar que no se la volviera a convocar. Al recordarles que carecían de criterios para valorar este tipo de obras, me cargaron con la responsabilidad de redactarlos. La ignorancia es atrevida y casi todos los cineastas que conozco consideran el videoarte, como una especie de hijo tarado y bastardo del gran cine narrativo. Casi todos, menos un puñado, entre ellos Jurgen Ureña, director de Muñecas rusas.

 El videoarte nace del arte conceptual de los años sesenta, por ende su concepto y pertinencia socio-cultural resultan claves y deben ser valorados detenidamente. Muñecas rusas propone un juego de apariencias en que los personajes imaginados y aquellos de carne y hueso se azuzan, seducen y cuestionan hasta llevarnos a dudar, no solo nuestra capacidad de hilar una narrativa a partir de retazos, sino del propósito de la obra. La mente de Antonio el viejo cineasta (interpretado por Antonio Yglesias, quien realmente dirigió su último largometraje en 1984), parece ser el lugar mismo de la puesta en escena. Esa incapacidad de decir que no, esa urgencia de vivir seduciendo o como diríamos más coloquialmente “echando el cuento” toca una arteria del flujo vital simbólico de la Costa Rica, a veces tan seductora como hipócrita, de principios del siglo XXI.

 Como el videoarte tiende a probar los límites o atacar abiertamente las convenciones narrativas, actorales, fotográficas y de diálogos del cine y la televisión, su coherencia de estructuración para con el tema tratado también resulta buen indicador. La precipitación hacia el subtexto resulta clave en ausencia de tramas o fórmulas narrativas convencionales, que sostengan una primera lectura. Muñecas rusas empieza jugando con nuestra curiosidad al ver los mismos diálogos y dinámica de seducción puesta en escena repetidamente por diferentes parejas. Según avanza el film, no necesariamente la historia, estos ejercicios se nos empiezan a revelar como los desvaríos y aspiraciones de Antonio, el viejo cineasta. Hacia el final dominan las tomas difuminadas y de fuerte ambigüedad espacial, reforzando el punto de vista no ya subjetivo, sino obsesivo, del director-protagonista, que no solamente sustenta a sus personajes sino que parece necesitar de ellos para dar sentido a su vida.

 El videoarte no oculta su origen híbrido y suele funcionar como crisol de otros medios, fusionando foto fija, animación, “performance”, arte sonoro, interactividad, etc.. Los glamurosos vestuarios, maquillajes y cinematografía publicitaria de Muñecas rusas contrastan con su desnuda propuesta escenográfica, que insiste en recordarnos se trata de actores en un ensayo permanente y repetitivo, casi sísifico por lo que adquiere carácter de “performance”, más teatral hacia el principio y naturalista e intimista hacia el final. Sus repetitivos diálogos mutan en cuanto a significado. En la toma final el juego de seducción alcanza gran naturalismo y, con la salida de campo de la actriz y su desplante hacia el director “voyeur”, se sugiere una pérdida de memoria ante el espacio vacío, y anticipa el final de la cinta y, posiblemente, el del propio Antonio.

 ¿ Cómo es posible entonces que, a pesar de todo lo anterior, la primera vez que vi Muñecas rusas en el Festival de Cine Costa Rica 2014 terminé imaginando su final desde el otro lado de la calle, delante de una sopa agripicante en el restaurante chino frente al cine Magaly?

 Alineando a los sospechosos habituales del cine nacional: diálogos inverosímiles, interpretaciones deficientes o dirección inexperta, ninguno de ellos parece haber estado presente en esta escena del crimen. Al emplear lenguaje híbrido y afín a la videocreación, Ureña pretende que veamos la cinta con otros ojos, pero se traiciona al forzar su obra en el formato del largometraje de ficción. En la gran sala el espectador inadvertido espera catarsis y desarrollo emocional, o en su defecto por lo menos relaciones elementales de causa/efecto o evolución en funciones de relevo de sentido entre sonido e imagen. Se encuentra, por el contrario, con un cúmulo de referentes cinéfilos y efectos fotográficos que a duras penas logran retener su atención por una hora y seis minutos.

 Es posible que los incómodos cajoncitos en que forzamos el videoarte (corto, formalista y no narrativo), el documental (basado en entrevista, directo y didáctico) y la ficción (larga, con actores conocidos y emociones predecibles), se le quedaran chiquitos a Muñecas rusas. El videoarte (y el cine experimental) son la cantera que renueva y mantiene vivo el lenguaje del cine de masas y su potencial de soprender y desestabilizar imaginarios. Hace preguntas difíciles, no necesariamente lleva al espectador de la mano, ni gana premios de autobombo en la academia. Quizás, al igual que en medicina, y contrario a lo que nos quiere hacer creer Hollywood, las principales innovaciones del lenguaje fílmico han surgido no de sus más obedientes practicantes, sino de aquellos que al igual que el Sr. Ureña corren riesgos desde la frontera de su saber.

Cuadrilátero y Thug Life

Thug Life fué realizada  por Alejandra Ocampo, Carla Orozco y Alejandro Gamboa.

Cuadrilátero fue creado por Andrés Rangel y Stephanie Damron. Para verlo en Vimeo haz clic en su nombre o en https://vimeo.com/103974436

 

 Ambas obras combinan video, fotos y textos con sonidos y palabra para acercanos, en cuestión de minutos, al dilema vital de personas cuyos derechos humanos han sido vulnerados. A pesar de  enormes diferencias narrativas, ambas hacen uso de relaciones o relevos de sentido entre la palabra/sonido y la imagen  para trascender la ilustración. 

Este es un cuadro de mi tesis de graduación de maestría en la UCR este mismo año (2014). En ella propuse un modelo de análisis para convergencia retórica en base a relevos de sentido:

 

                      

Hize la misma pregunta a ambos ¿Qué fue lo más importante que aprendiste haciendo este micro documental para la web en mi curso?

 

ANDRÉS RANGEL:
1. La importancia de empaparse de un tema y aplicar la técnica en función del objetivo,
2. La técnica puede variar conforme se desarrolla un proyecto pero que se debe tener claro el tono en que quiero comunicar y la meta concreta a la que se desea llegar sin arraigarse demasiado al plan original.
3. Hay que separarse un poco de los sentimientos y cuidar la intención con la que se hacen las cosas porque de ella dependerá el resultado final.
4. No hay solo un lenguaje y es importante estudiar lo que ya se ha hecho para generar una propuesta innovadora y competente.

 

 

 ALEJANDRA OCAMPO:
1. El audiovisual nos pone frente a un concepto narrativo totalmente diferente, donde se debe de aprender a mezclar no solo la imagen fija, sino la imagen en movimiento, el sonido; todo entrelazado por medio de un concepto que encierre todo en un corto período de tiempo.
2. Técnicamente hablando fue un reto muy importante, enfrentarnos a un programa editor de video y sacar provecho de sus herramientas para que aportara a la estética y narrativa deseada, además de aprender a “hablar” por medio de otro lenguaje es bastante difícil.
Hacer este proyecto nos abrió la mente a dejar de trabajar lo literal, a comunicar de una manera más poética y tal vez lo más difícil, el lograr cultivar empatía y sentimiento con los muchachos, lo que nos facilitó más adelante el poder ser sus voces.
3. A nivel personal este proyecto de Derechos Humanos de los Privados de Libertad ha sido el más desafiante, difícil y enriquecedor que había hecho hasta el momento, me sacó de la la zona de confort en todo sentido; pero entendí que tengo en mi poder herramientas para el cambio y que está en mí el utilizalas de manera adecuada para aportarle aunque sea un poco a la sociedad en la que convivo. 

Cuentacuentos y Recuerdos Liberados

 Andrea Chacón y Ana Lucía Campos tienen aproximaciones muy diferentes al  audiovisual web, pero comparten su pasión por las herramientas y  software libre.

 

ANDREA SOBRE LA NARRATIVA: Lo primero es que, siempre que se tenga la  posibilidad, se elija un tema que nos APASIONE y tengamos curiosidad de  explorarlo. Lo segundo es ponernos en el lugar del público: hacernos  todas las PREGUNTAS que nos haríamos si fuéramos los consumidores del  trabajo que vamos a realizar, todas las dudas y temáticas que nos  gustaría ver expuestas. Lo tercero, ya que vamos a encontrar mucha  información y, por el tipo de lenguaje no se podrá abarcar todo, es  necesario ELEGIR los mensajes más importantes, los que sean claves para  que el público entienda la historia. El cuarto consejo que puedo dar es  que, una vez se seleccionen los principales mensajes, hay que  TRADUCIRLOS a imágenes y cada imagen debe estar cargada de contenido,  tener un propósito tan claro que si la omitimos no se entienda la  historia, además de ser buena foto. Mi último consejos es que nuestro  trabajo de narrativa audiovisual despierte EMOCIONES en el público,  capture su atención y logre que las personas se identifiquen. Combinar  imagen y sonido permite despertar el sentido de la vista y del oído  pero, con una selección justa de fotos y audio, este tipo de lenguaje es  también capaz de activar otros sentidos.

ANDREA SOBRE LAS HERRAMIENTAS: La principal ventaja de los programas  de software libre , es que no son complicados de utilizar. Si bien es  cierto, es necesaria una guía o tutoriales para entender su  funcionamiento, una vez que se reciben ciertas pautas generales, son  programas muy amigables para trabajar e ir descubriendo sobre la marcha  sus diferentes funciones. Además, pese a a ser programas de edición de  audio, video y fotografía, no son “pesados” y se pueden correr  fácilmente en una computadora con la que se trabaja comúnmente, sin  necesidad de comprar equipo especializado. Trabajar con todo  preinstalado desde un dispositivo USB, nos da la oportunidad de  ejecutarlo desde los equipos que utilizamos habitualmente. También  permite que muchas organizaciones sociales, que no cuentan con tanto  presupuesto, puedan optar por este tipo de software y realizar trabajos  AV de calidad, explorar temas sociales, contar una historia y hacerla  llegar a gran número de personas, sin necesidad de trabajar en un medio  masivo de comunicación. Es decir se contribuye a una sociedad más  informada, más democrática.

Recordando Recuerdos from Ana Lucia Campos on Vimeo.

 

 

ANA LUCIA CAMPOS  SOBRE LA NARRATIVA: Vengo del mundo de la  fotografía; mis influencias son una mezcla, ahorita pienso en la  estética de Wes Anderson, en Enter the Void de Gaspar Noé, en esa mirada  a lo personal de Nan Goldin, mis propios diarios que a nivel narrativo  complemento con una visión de mundo que heredé de mi propia familia, muy  parecida al realismo mágico de Garcia Márquez. Cuando pensé en el  audiovisual se me hubiera hecho más fácil hacerlo con diálogo, pero  hubiera dado una lectura más lineal, yo quería que fuera más sensorial,  más abierto a las propias conclusiones de quien lo viera.

ANA LUCIA CAMPOS SOBRE LAS HERRAMIENTAS: Había tenido experiencias  poco placenteras con editores de vídeo comerciales. El editor de vídeo  profesional y software libre Kdenlive se me hace increíblemente AMIGABLE  para usar, pero sobretodo lo utilizo por la libertad que me da a la  hora de manejar el color, no solo a nivel de opciones sino también en la  CALIDAD  que conserva, incluso habiendo manipulado bastante la imagen  original, no me posteriza y me da los tonos exactos con los que quiero  trabajar. El uso de Licencias Creative Commons es lo más lógico que uno  podría hacer cuando va a publicar un proyecto en algún medio mas allá  del televisor de la casa. Este tipo de licencias alternativas me ayuda a  publicar BAJO MIS TÉRMINOS, sea donde sea, y que se reconozca al autor.  En mi caso no deseo que nadie lo use para sacarle plata sin mi  conocimiento ni consentimiento, y que no permita generar obras  derivadas. Con esto puedo compartir el proyecto teniendo algo que me  proteja a mí y a mi obra, por lo que uso estas licencias casi en todos  mis proyectos.